「わかりやすくしよう」とするほど、演技が嘘っぽく見える理由
俳優や歌手だけでなく、演出家や監督も、良かれと思って、ついこのように考えてしまうので、顔・声・動きを足す前に、立ち止まれるといいなと思います。
「わかりやすくしよう」とするほど、演技が嘘っぽく見えることがあります
観客に伝わるように演じたい。
大事なセリフの意味を、きちんと届けたい。
役の人物が何を感じているのか、見ている方に分かってほしい。
そう思うこと自体は、決して悪いことではありません。
むしろ、俳優としてとても自然な願いです。
私自身、子供の頃からそのように言われていましたし、とても大事なことだと思います。
ただし、その「伝えたい」という気持ちを、顔、声、姿勢、動きで直接見せようとすると、演技が急に説明っぽく見えることがあります。
一生懸命やっているのに、なぜか嘘っぽく見える。
丁寧に工夫しているはずなのに、どこか白々しく見える。
その原因は、感情が足りないからでも、才能がないからでもありません。
もしかすると、演技を「結果」から作っているのかもしれません。
この順番、重要です。
観客に伝えたい気持ちは、決して悪いことではありません
「もっと分かりやすく演じた方がいいのではないか」
「このセリフは大事だから、ちゃんと強調した方がいいのではないか」
「ここは悲しい場面だから、悲しそうに見えた方がいいのではないか」
ちゃんと伝わってるかなぁ…
このように考えることは、俳優にとってよくあることです。
特に、真面目に準備している俳優ほど、台本に書かれていることを大切にしようとします。
セリフの意味を理解しようとする。
場面の流れを考える。
役の人物の気持ちを想像する。
その姿勢自体は、とても大切です。
問題は、その理解をすぐに、直接的な「見せ方」に変換してしまうことです。
悲しいから、悲しそうな顔をする。
しかも、これが、現代を受ける、自分の価値観での「悲しそう」になってはいませんか？
怒っているから、強い声を出す。
その役の人物のコミュニティーで「成立する」声、になっていますか？
動揺しているから、呼吸を乱す。
それ、どこかで見た、誰かの真似になってないですか？
緊張しているから、姿勢を固める….
こうした選択は、一見すると分かりやすく見えます。
でも、役の人物の中で何が起きているのか、相手に何を起こそうとしているのかが整理されていないまま形を足していくと、演技は説明になってしまいます。
何より、多くの方は、つい自分の思う「強そう」「はしゃいでる」「落ち着き」に行きがちなので、ずれてる可能性があります。
結果を先に作ると演技は説明っぽくなります
演技が説明っぽく見えるとき、俳優はたいてい「結果」を先に作っています。
悲しい顔。
怒った声。
弱々しい姿勢。
大きな歩幅。
意味ありげな間。
強調された抑揚。
もちろん、表情、声、姿勢、動き、間そのものが悪いわけではありません。
問題は、それがどこから生まれているのかです。
いつ、どこで、何のために、役の人物が相手に何かを起こそうとして、その結果として顔が変わるのか。
それとも、「ここはこう見せたい」と決めて、先に顔を作っているのか。
この違いは、観ている側には伝わります。
現実の世界でも、「あ、なんか作ってるな」、「ずいぶん演出しようとしてるな」と気づいた事は無いでしょうか。
俳優本人は「工夫しているつもり」でも、観客には「こう見せようとしている」と見えてしまうことがあります。
そうなると、演技は出来事ではなく、説明になります。
場面の中で起きていることではなく、俳優が用意した表現の発表に見えてしまうのです。
顔・声・姿勢・動きを足しても、演技が深まるとは限りません
顔を作る。
抑揚をつける。
姿勢を整える。
動きを大きくする。
間を長く取る。
こうした工夫は、内容を分かりやすくするために使われがちです。
けれども、顔、声、姿勢、動きは、足せば足すほど深まるものではありません。
むしろ、根っこが整理されていないまま足していくと、演技はツギハギに見えてしまいます。
顔は悲しそう。
声は震えている。
身体は固まっている。
歩き方は大きい。
でも、それぞれが同じ目的に向かっていない。
そうなると、ひとつひとつの工夫が相乗効果にならず、バラバラに見えます。
つけたしたことが見えているという感じです。
俳優本人は一生懸命に作っているのに、観ている側には「いろいろ足している」ように見えてしまう。
これが、演技が白々しく見える大きな原因のひとつです。
なぜその顔になるのか、なぜその声になるのか
大切なのは、「どんな顔をするか」ではありません。
なぜ、その顔になってしまうのか。
「どんな声を出すか」ではありません。
なぜ、ここでその声になるのか。
「どんな姿勢を取るか」ではありません。
何のために、その姿勢になるのか。
「どう動くか」ではありません。
何をしようとして、その動きが必要になるのか。
ここを読まずに、顔、声、姿勢、動きだけを決めてしまうと、演技は外側から作ったものになります。
台本に書かれているセリフを、どんな声で言うか。
相手の前で、どんな表情を見せるか。
その前に見るべきなのは、役の人物が今、何を欲しがっているのかです。
何を避けたいのか。
相手に何を起こしたいのか。
この根っこが見えてくると、表情や声や動きは、単なる飾りではなくなります。
何より、自分の感覚や想像とつながってきます。
だから納得が行きますし、言葉にも説得力が、動きも確信を持って行います。
役の人物の根っこがないまま形を足すと、白々しく見えます
白々しい演技は、感情が足りないから起きるとは限りません。
むしろ、感情らしきものを足しすぎているときにも起きます。
悲しそうにする。
怒っているように見せる。
不安そうに動く。
意味ありげに間を取る。
この感じ、実は、真剣に見てくれている方にほど、舞台でも映像でも伝わってしまいます。
例えば、子供でも大人が嘘をついてるのわかりますよね？
あの仕組みにすごく似ています。
「伝わるように」工夫しているのに、なぜか届かない。
良かれと思って準備したことが、形が先にあり、理由が後からついているから、順番がおかしくなっているため、違和感が生まれているのかもしれません。
役の人物は、観客に分かってもらうために生きているわけではありません。
その場で、相手に向かって、何かを変えようとしています。
今、言いたいことがある。
どうしても、避けたいことがある。
ここで、手に入れたいものがある。
何と比較しても、失いたくないものがある。
その必要性から顔が変わり、声が変わり、身体が変わる。
この順番が抜けると、演技は「そう見せている」ものになります。
観客は、俳優が何かを見せようとしていることには、とても敏感です。
だからこそ、形を足す前に、役の人物の根っこを読む必要があります。
映画でもテレビでも、舞台でもミュージカルでも、良い台本ほど、よく練られれた作品ほど、本当に面白く深めていけます。
そして、そのように素晴らしい台本は、日本にも実は多いです。
台本読解で見るべきなのは、役の人物の目的と行動の必要性です
台本読解は、正解を当てるための作業ではありません。
また、役の人物の性格を一言で決めるための作業でもありません。
「この人は弱い」
「この人は強がっている」
「この人は寂しい」
「この人は承認欲求が強い」
そうした見方が、まったく役に立たないわけではありません。
でも、それだけでは、演じるための準備としては足りないことがあります。
上のような形容詞に飛びつかないこと。
演技で必要なのは、その人物が今、この場面で何をしているのかです。
ここで、何を欲しがっているのか。
何のために、何を避けたいのか。
今、相手に何を起こしたいのか。
どこからどこへ向かってる途中で、何を、変えようとしているのか。
なぜ今、それをしなければならないのか。
やらないと、何が起きてしまうのか…
ここが見えてくると、セリフはただの言葉ではなくなります。
言い方を決めるための材料ではなく、行動の一部になります。
ただ、この掘り下げ方の練習自体は、スポーツやダンス、楽器の演奏や語学と似ていて、反復の練習が必要になります。
作品が変わっても、1人で、限られた時間内にできるようになりたいのです。
楽譜が読めるようになること、チームスポーツで動けるようになることに似ています。
セリフを固める前に、役の人物が何を変えようとしているのかを読む
多くの方々が信じているように、特に現場では、セリフを早く入れることは大切です。
当然、現場や稽古に向けて、セリフを覚える準備は必要です。
ただし、先にセリフの言い方を早く固めすぎると、あとから動けなくなることがあります。
このセリフはこう言う。こういうべき。
ここは間を取る。そのほうが良さそうだから。
ここは少し声を落とす。メリハリがつくよね。
ここは強く言う。だって、その方がよく見えそう…。
こんなふうに、先に決めすぎると、相手から何が来ても、最初に決めた形に戻りやすくなります。
すると、相手とのやり取りが起きているように見えにくくなります。
演技は、セリフの発表ではありません。
相手に向かって、状況を変えようとする行動です。
だから、セリフを固める前に読むべきなのは、言い方ではありません。
役の人物が何を変えようとしているのか。
相手をどう動かしたいのか。
そのために、どの言葉が必要になるのか。
ここを整理しておくと、セリフはただ覚えた言葉ではなく、相手に向かうための道具になります。
5月30日・31日のクラスでは、台本読解を演技として実際に試します
5月30日(土)19:00-22:30は、オンラインで「演じるための台本読解クラス」を行います。
翌日の5月31日(日)13:00-17:00は、スタジオで少人数制の演技実践を行います。
今回のクラスでは、台本を読んで終わらせるのではなく、目的・目標・方法を整理し、実際に相手の前で試していきます。
顔、声、動き、間を先に固めるのではなく、役の人物が何を欲しがり、何を避け、相手に何を起こそうとしているのか。
その根っこを読み、演技として使える形にしていく時間です。
「わかりやすく演じよう」として、かえって説明っぽくなっているかもしれない。
セリフの言い方を先に決めすぎて、相手とのやり取りが動かなくなっているかもしれない。
本当は感じで動いてて喋って、手ごたえもあるのに、つい先取りして、固まっている。
シーンを面白くできるはずが、なかなか推進力が生まれない。
現場で、限られた時間内に結果を出すことが難しい…
そう感じた方は、こちらの記事もご覧ください。
5月30日(土)・31日(日)開催
演じるための台本読解クラス・少人数制演技実践
5月30日(土)・31日(日)開催｜台本読解と演技実践をつなげる少人数クラス
この記事を書いた講師
鍬田かおる
指導歴20年+ 以上。俳優、歌手、声優、ミュージカル俳優、映像や舞台で活動する俳優に向けて、台本読解、身体と声、相手とのやり取りを統合した演技指導を行っています。
桐朋学園芸術短期大学演劇科、新国立劇場演劇研修所・オペラ研修所、劇団青年座研究所などでの指導経験を経て、現在は大学、芸能事務所、映画スクール、個人レッスンなどで指導しています。
ロンドンでSTAT認定アレクサンダー・テクニーク教師資格を取得。アレクサンダー本人の著書『自分の使い方』を日本語に初めて翻訳・出版。
また、IDC認定インティマシー・コーディネーター(ディレクター)として、映像・舞台・ライブパフォーマンスにおける接触やセンシティブな表現、親密な場面の振付、同意確認、現場の段取りづくりもサポートしています。
これまでの演技メソッドや単発の学びに違和感があった方へ
演技は、感情を出せば深まるものではありません。
また、表情、声、動きの工夫を増やせば、必ず伝わるものでもありません。
大切なのは、台本に書かれた言葉を、役の人物の目的、相手との関係、状況の変化、身体と声の使い方につなげていくことです。
また、そのための身体、呼吸から声、想像力はもちろん、読解力や観察力も重要です。
そのためには、行動するために、具体的に読む事はもちろん、読んで分かったつもりで終わらせず、実際に相手の前で試し、身体と声を通して深めて、感覚とともに浸透させていく時間が必要です。
クラス案内・個人レッスン・講師依頼について
演技クラス、個人レッスン、教育機関・芸能事務所・映画スクール等での講師依頼については、下のお問い合わせフォームよりご連絡ください。
現場の準備はもちろん、台本読解、演技実践、身体と声、歌手やダンサーの方のためのアレクサンダー・テクニーク、インティマシー・コーディネーター(ディレクター)としての映像や舞台の現場相談など、目的に応じてご相談いただけます。
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演技コーチ/ムーヴメント指導・演出・振付/IDC認定インティマシーディレクター/STAT認定アレクサンダー・テクニーク指導者/スピーチ＆プレゼンテーションコーチングActing Coach/Movement Direction/IDC qualified Intimacy Director/STAT certified Alexander Technique teacher, mSTAT, Movement Teaching/Speech and Presentation Coaching