身体が変わって、呼吸が変わるから、
セリフも影響され変わっていきます。
経験も練習も重ねてきた。それでも、こんなことはありませんか？
- 台本は読み込んでいる。でも、演じるための準備になっているだろうか。役の背景や気持ちも考えてきた。それでも「もっと深く」「まだ浅い」と言われる。自分一人で準備するとき、何をどう掘り下げればいいのか、迷うことがある。
- 演出を受ければ対応できる。でも、自分から別の選択肢を提案できるだろうか。現場でOKは出る。それでも、もっと幅を広げたい。役や作品が変わっても、慣れた表現にとどまらず、柔軟に対応できる力を磨きたい。
- レッスンやワークショップで得た発見を、次の作品でも使えているだろうか。学んできたことはたくさんある。でも、今の自分に必要な課題を見極め、継続して取り組む機会が足りない。仕事を続けながら、さらに成長していきたい。
自分では感じているつもりでも、その変化が見え、聞こえる形になっていなければ、観客には伝わりません。大切なのは、感情を込めたつもりになることでも、セリフの言い方や表情を変えることだけでもありません。身体・呼吸・声・台本読解・役の行動をつなげながら、実際に何が見え、聞こえ、伝わるのか。次のオーディションや現場でも、自分で考え、選び、調整し、応用できる技術を育てていきます。
- 浅くなっている呼吸や、いつの間にかパターン化した身体の構えを見直し、相手や状況の微細な変化を感じ取りながら、より自由に応答できるようになる。
- 台本の状況を自分ごととして想像し、感じて、動いて、しゃべって、相手に働きかける。その一連の仕組みを味方につける。
- 台本に書かれた事実や前提を整理し、書かれていない部分まで想像を広げる。人物を具体的にするだけでなく、生き生きとした役として行動できるように、「個人化」を深めていく。
- 現場だけでは拾いきれない自分の偏りや習慣を見直し、演出や相手の変化にも対応できる準備力・調整力を育て、次の作品でも応用できるようになる。
さまざまな台本を使ったシーンスタディを通して、一人ひとりの準備の仕方や演技の選択を具体的に見直していきます。
実践中のサイドコーチングでは、相手の反応や状況の変化を受け取りながら、別の行動や表現をその場で試し、何が変わるのかを確かめます。
必要に応じて、個別のフィードバックや具体的な練習方法もお伝えします。
大切なのは、レッスン中に一度うまく演じられることだけではありません。自分の課題を理解し、一人でも準備・練習・調整できるようになること。そして、次のオーディションや作品でも、学んだことを自分で応用できるようになることです。
よくあるご質問
Q. 演技はまったくの初めてなのですが、どこからスタートしたらいいでしょうか?
初めての方ほど、土台ー身体からキッチリと具体的なトレーニングを開始されることをおすすめします。
ご年齢やご所属、育ってきた環境や目指している方向性もありますが、お客様にみえるのは顔も含めた身体の面積が最大です。
内面も声や身体を通じて伝わりますよね。
発声や発音も姿勢に影響を受けるので、身体を整えておけば、より学びやすくなります。
もし遠方の方でしたら、オンラインでの台本読解クラス及び季節ごとに開催しているオンラインクラスからお試しください。
都内の方もオンラインはもちろん、初めての方も歓迎の各種の演技クラスや個人レッスンで演じる感覚をヴィヴィッドに感じていただきたいので、ぜひお試しください、一人で悩む時間が減っていったとみなさん言われます。
お問い合わせフォームやメールにて具体的な内容をお聞かせくだされば、1両日中にご返信いたします。
クラス選びやレッスンのご相談も受け付けておりますので、不安や心配も減らせます。海外在住の方はもちろん、地方ロケ先や旅公演先からも、オンラインでのレッスンを続ける方も多いです。
キャリアの様子で演技プランを一緒に練りながらが良いのか、現場の個人コーチングが良いか等も詳しくお聞かせください。
Q. いろいろな映画監督のワークショップや演出家のクラスに出てきました。リアルとか自然な演技がよく解りません。どうやったら演技が上達しますか？
一生懸命にがんばっていらっしゃるのに、なかなか結果が出ないとモヤモヤしますし、悲しいことも多いと思います。
演技のどこでつまずいていらっしゃるのか、感情の変化や内面の様子については、特に個別に『邪魔をしている』部分を見極めて、私のクラスや個人レッスンでは一人一人指導しているので、ぐんぐん変わる方が多いです。
個人留守の場合、早い方で初回から、遅い方でもいくつかのクラスや10−20回の個人レッスンを経て、「気づく」能力が高まって歌や演技に活かせるようになります。
長時間の撮影や長丁場の舞台で、役の人物の心身の状態に振り回されて、じわじわ健康を害する心配がなくなるのも、キャリアの比較的長い実演家の方からよく嬉しいお話をお聞きします。息の長い活躍のためには重要なことです。
また身体をよく調整の利く敏感で強いものに鍛えること、五感だけでなく筋感覚を磨くこと、声、特に発声発音を明瞭にする、読解力をつける。まずこの3点からスタートすることをお勧めしています。
稽古場で複数の提案が次々にできて、イキイキとした演技ができるようになると表情もみなさん輝き始めます。
お問い合わせフォームやメールにて具体的な活動のご様子やをお聞かせください。1両日中にご返信いたします。
オンラインでのクラス選びやレッスンのご相談も受け付けております。
Q. 映像の仕事が多い事務所にいます。カメラの演技も教えてもらえますか？
こういったご質問は非常に多いです。演技って1つじゃないの？って思いますよね…。
実は厳密に言う『カメラ演技』というものはありませんが、自分がどのように映っているか、どう切り取られているかは別途学ぶ必要はあります。つまりカメラについて学ぶ必要がある、舞台そのものについて学ぶ必要は別途あると言うことですね。しかし、演技の基礎は舞台でも映像でも同じです。どちらも「つたわる」ものにしなければなりません。そのためには単なる精神論やセラピーのようなリラクゼーションではなく、「みえて・きこえて・くりかえせる」トレーニングが必須なのです。
また、台本読解や各種のクラスを経て、人物理解が深まれば、なぜ自分がキャスティングされたのかや役の人物の掘り下げで、ウジウジ長時間悩まないで良くなります。
カメラ（や舞台）については別途学びながら、まず演技の基礎から力をつけていくことがお勧めですので、各種演技クラスからスタートしてください。
継続してレッスンやクラスご参加の方に限り、昨今増えている動画審査のサポートや演技プランのお手伝いもしています。お一人で悩まないでくださいね。
Q. 演出家やマエストロに『ポーズになっている』と言われもます。演技を教えてもらえますか？
演技の基礎(初歩ではない)はジャンルに問わず土台同じです。
ポーズになっていると言う事は、もしかすると、感情が動いていないか、特定の態度や気分を維持してしまっている可能性があります。まずそのクセに気づき、演技基礎から力をつけていくことをお勧めします。
台本を渡されたときに、役の人物の特徴が目に飛び込んできて、ワクワクするためにも、特に、手足を固めることが習慣になっていて、「構え」が強くなってしまっている方には、アレクサンダー・テクニークの個人レッスンをお勧めしています。
役の人物へのアプローチで掘るべき方向が絞れるので、長時間、モヤモヤ考えている必要がなくります。
また動きをつかっての感覚トレーニングは音楽家やダンサーの方にも好評です。
Q. ただ突っ立っているだけでは作品にならないのはよくわかるのですが、どうしてもベストの発声を維持するために、硬くなっているようです。どうしたらいいでしょうか？
リハーサルで演出家にいろいろ言われるとよけいに棒立ちになってしまう方が多いです。
立っているときに何をやっているのか、最初は自己洞察を深めたいですね。
身体の使い方次第で、維持しようと努めなくても、動きを味方につけて、より良い状態をリフレッシュし続けることはできます。
新しいコーディネーションで歌ってみて、古い癖ばかりの時の状態と比べてみてください。みなさんアレー？！こんなにラクでいいんだ！と驚かれます。自分が長い時間やっているものは、誰しもなかなか気づけないものです。
だからこそ、アレクサンダー・テクニークのグループの入門クラスや個人レッスンをお試しの上、特に個別に『邪魔をしている』傾向を防ぐ練習をしたいところです。
身体をよく調整の利く敏感で強いものに鍛えること、ほぼ同じ意味ですが、五感だけでなく筋感覚を磨くこと、読解力をつける…など枚挙に暇がありません。まず身体からスタートすることをお勧めします。
役の人物へのアプローチで掘るべき方向が絞れるので、長時間、モヤモヤ考えている必要がなくなると、気持ちも変わっていきやすいです。既に音楽的なトレーニングを一通り終えたのであれば、なおさら、もっと取り組み方を変えていきましょう。
Q. 歌唱はそこそこやってきたのですが、演技は自信があまりないです。どこからスタートしたらいいでしょうか？
感覚を鋭敏にするアレクサンダー・テクニークの個人レッスンや動きから様々な感情体験に近づくラバンのクラスや演技のエクササイズのクラスをお試しください。また歌手であっても、俳優と同じように読解力や想像力の具体性は必須です。
歌唱と組み合わせる個人レッスンを選ばれる方も多いです。
お稽古場で複数の提案が次々にできて、イキイキとした演技ができるようになるともっと活躍しやすくなります。
もちろん、現場の環境や目指している方向性もありますので、お問い合わせフォームやメールにて具体的な内容をお聞かせください。
オペラ作品の演技プラン等のご相談にも乗っております。
またオンラインでのクラス選びやレッスンのご相談も受け付けておりますので、詳しくご様子をお聞かせください。
Q. ダンサーです。ダンスのレッスンには週数回は行ってるんですが、なんだか行き詰まっています。まとまっているというか、こじんまりしていると言われました。私自身も突き抜けたいですが、どうしたらいいでしょうか？
毎週何度もレッスンに行かれているとのことなので、努力が足りないことは少ないかもしれません。
もちろん実際の身体の様子を拝見しないと想像でしかお話ができないのですが、アレクサンダー・テクニークのグループのクラスで原理を学び、踊りに応用してみていただいてはいかがでしょうか。
新しいコーディネーションでスイスイ踊る感覚を味わってもらい、レッスンの効果を納得していただいた上で、個人レッスンへ進む方も多いです。「自分の手足がこんなに長ないと思わなかった。」「体を硬くしなくても、すごくバランスが取りやすかった。」と驚かれる方も多いです。
また、グループで開催している動きを使った、ルドルフ・ラバンの入門クラスはダンサーにも、特に有効ですので、適宜お勧めしています。
Q. ダンスも歌も好きで、芝居もやっています。ミュージカルや音楽劇も好きです。ダンスと歌のレッスンにはもう通っていますが、どうしたら演技は上達しますか？
ダンスや歌の経験を生かして、演技をさらに磨いていくことが期待できそうですね。
台本を渡されたときに、役の人物の特徴が目に飛び込んできて、ワクワクするために、感情の変化や内面については、特に個別に『邪魔をしている』部分を見極めて一人一人指導しています。また身体の使い方の使い分けも重要になります。
一般論では、身体をよく調整の利く敏感で強いものに鍛えること、ほぼ同じ意味ですが、五感だけでなく筋感覚を磨くこと、声、特に発声発音を明瞭にする、読解力をつける…など枚挙に暇がありませんが、まずこの3点からスタートすることをお勧めします。
役の人物へのアプローチで掘るべき方向が絞れるので、長時間、モヤモヤ考えている必要がなくなります。
Q. 私は演出家です。特に芝居を学びたい訳では無いですが、クラスに参加して得るものはあるでしょうか？
今までお芝居をした事は無い、自分が演じる側に回ったことがないと言う方にこそ、ぜひいくつかのクラスをお試しいただきたいと思います。
見られる側、演じる側を『試しに』数回体験するだけで、すべてがわかるわけではありませんが、全く異なった視点で、作品やそれこそ演出家や周囲の言葉を聞く過程に価値があります。
演技力と言うよりも、観察であったり分析だったり、感覚的かつ感情体験であったり、大いに得るものはあります。
イギリスの演劇学校では、将来の希望が演出家でも監督でも1.2. 年目はみな俳優の立場を経験します。ぜひいくつかのクラスをお試しください。プロレベルでなくとも、俳優の立場から体験をすることに発見が多いです。私自身、時々研修やブラッシュアップなどで俳優の立場に身を置きますが、今でも驚くことがたくさんあります。
ご自身が実際に演じてみると、俳優たちとのコミュニケーションの質や演技をみる目や耳もきっと変わります。また彼らとどうやってコミュニケーションとっていったらいいか、実際に役立つ「ノート」（昔でいうダメ出し）のヒントにもなります。
Q. 演出しています。現場でどうしても俳優にいろいろ教えなくちゃならないことがあります。本当は演出に集中したいです。言葉選びなのか、相性なのかうまくいってないと感じる時があります。どうしたらいいでしょうか。
ご質問ありがとうございます。世界の巨匠たちもお悩みの内容です。
『俳優にいろいろ教える』の中身が、いわゆる演技指導なのか、段取りなのか、精神的な心構え、もしくはご自身の演出の意図を伝えることなのかにもよりますが、ご自身にとって最適な、俳優やスタッフとのコミュニケーション方法や、リハーサルの進め方の選択肢を広げるためにも、継続的にクラスをご利用いただけるとうれしいです。
日本に限らず、言葉の行き違いであったり、相手の立場からの想像に余裕がなかったり、また目的の共有の曖昧さも難しいですよね。
また、演技の『ために』ダンスや語学やアクションなどの特殊技能を教えることと、作品の演出は違いますから、当然、演技の『仕組みを教える』ことと演出の希望や意図を伝えることも違うので、大変だと思います。
私のおすすめははっきりその２役を分けること、可能であれば両方は一度にやらないことです。ただ、俳優側が演出を指導だと勘違いしていたり、指導演出だと勘違いしたりしている場面もあるので、難しいですね。指導と演出の違いの理解を深めるにも、いくつかのクラスをご体験いだだけると嬉しいです。
ブログ記事にも無料で台本読解の解説などはアップしています。ぜひご覧ください。
Q. 脚本を書いているのですが、クラスの内容は役に立つでしょうか。自分が人前に出る事は苦手です。
一緒に仕事をする俳優や演出家たちの考え方や傾向を知ると、仕事の質がアップします。
ご本人が希望しない場合、運動などを無理して頑張る必要はないと思いますが、戯曲の読解や分析のクラスは、いわゆる名作を使って行っておりますので、創作時や現場でのご参考にしていただければ幸いです。
一般論に終始せず、「役の個別の事情」に迫る方法が身に付いて、どんどん内容に向かっていける感覚を体験していただくことで、スッキリされる方も多いです。
いろいろな考え方がありますが、私は、実際に生きた人間が、セリフを声に出してしゃべり、動くことで、より発見がたくさんあると思いますので、ぜひお試しいただけるとうれしいです。私の先輩にも、著名な劇作家がおりますが、みなさん、俳優としての時代が数年あっただけで、飛躍的に劇世界の捉え方が変わったとおっしゃいます。俳優や演出家をみる目も変わっていって、より良い作品作りに行かせれば良いのではないでしょうか。
Q. 首都圏在住ではないため、東京のスタジオには行きづらいのですが、どうしたらいいでしょうか。
まずオンラインで開催している台本の読解や分析のクラスをお試しください。
その後、月に1度か2度東京に出てきてスタジオでのレッスンに参加される方もいらっしゃいます。
芸能事務所にご所属の方でも、オペラ歌手の方でも、所属やジャンルはさておき、個人レッスンとの組み合わせで数ヶ月ー半年で成長が感じられる方もいます。無理しすぎず、中長期的なビジョンも含めてご相談ください。
私の少人数での演技クラスは、何よりも継続することで基礎（初歩ではありまん）や表現に必要な感覚を育てることを大切にするクラスです。個人レッスンも現場の課題やコンペ対策含め、一人一人のニーズに合わせてオーダーメイドで対応しています。
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